Pablo Picasso: biografía, pinturas, curiosidades y mucho más

Pablo Picasso, artista español de brillante trayectoria artística: no se intimidó en explorar caminos y técnicas nuevas en la forma de percibir y exhibir el arte. Picasso con su espíritu inquieto logró influenciar el arte contemporáneo y moderno del siglo 20. Su creatividad y conciencia lo llevaron a plasmar en sus obras los momentos históricos de su país y de sus propias vivencias.

pablo picasso

Biografía

Su nombre completo es Pablo Ruiz Picasso, comúnmente conocido como Pablo Picasso, es originario de Málaga del 25 de octubre de 1881, artista sobresaliente en el campo de la pintura y escultura española. Conjuntamente con el también artista Georges Braque, fue creador del cubismo como expresión artística y contemporánea del siglo XX. Desde en inicio de ese siglo, se le atribuye la propagación e influencia en los movimientos artísticos de su época.

Las obras de Pablo Picasso abordaron el dibujo, los grabados y la ilustración de textos, la escultura, la cerámica y el diseño de escenarios y vestuarios de obras teatrales, que protagonizan grandes exposiciones de museos y colecciones de Europa y el mundo. También tiene en su haber, algunas obras literarias. (Ver artículo: Museo Reina Sofia).

Pablo Picasso, tenía un protagonismo y una percepción política, con un visión comunista y pacifista, desde su participación del partido comunista de España y de Francia hasta que fallece el 8 de abril de 1973, con 91 años de edad, en su hogar de Notre-Dame-de-Vie, en Francia, Mougins. Su restos se encuentran en el parque del Castillo Vauvenargues. 

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Pablo Picasso, considerado un creador prodigioso y una personalidad fuerte e inagotable vitalidad, durante sus 91 años de vida, creó obras artísticas con vibrantes movimientos y siempre y experimenta nuevas formas y conceptos. Era acreedor de una voraz visión pictórica que trasladó a vida sentimental, ya que tuvo una cuantiosa cantidad de mujeres que inmortalizó por medio de su obra. Desde joven mostró su genialidad que lo llevaría convertirse en el icono del siglo 20, llenó de gloria y fortuna.

Picasso , hijo del también artista y profesor José Ruiz Blasco.  A los 4 años, ya mostraba su inquietud por el arte, a través de papeles cortados que símil de flores, animales y figuras extravagantes que colocaba en la pared como sombras asiáticas. Se dice que la primera palabra que pronunció el artista fue “piz”, solicitando un lápiz. Nunca le atrajo la escuela de educación tradicional; por el contrario, su preferencia siempre fue el dibujo que le daba su padre, al que sobrepasó muy pronto en técnica y creatividad.

Ya con fama, el pintor deja a Fernande Olivier y se retira a Céret, al sur de Francia con Marcelle Humbert, denominándose Eva Gouel, quién inspirará muchas de sus obras. Su muerte temprana a los 30 años afectó enormemente a Pablo Picasso. A diferencia de sus pares artistas, continuó con la pintura en durante la Primera Guerra Mundial. Para 1916, Picasso diseña el vestuario y la escenografía  para una obra teatral de Jean Cocteau de su obra Parade. (Ver artículo: Museo Nacional de Arte).

Es este proyecto, conoció a la bailarina, igual que él de egocéntrica, Olga Koklova, impresionan con la habilidad de esta mujer para simpatizar con sociedad rica de entonces. Contrayendo nupcias en 1918. Luego de lo cual dejó el escenario  con el nacimiento del único hijo de ambos.

Olga enfermó y la unión se  deshizo. Ya para 1935, abandonó Pablo Picasso y demandó al pintor, quien se resistía a la división patrimonial, solo aceptó la separación legal, que demoró hasta su fallecimiento en 1955.

Ya al finalizar la Primera Guerra Mundial, combinó su arte cubista con un estilo más real y serio. Su hijo Paulo lo inspiró a  realizar obras mas sentimentales, como el retrato de su madre e hijos.

En 1927, conoció en París a uno de sus grandes amores, Marie-Thérèse Walter, una chica de 17 años, quien tomándola del brazo y le expresó, “Soy Pablo Picasso; juntos haremos muchas cosas»; inspirado en ella, realizó cuadro Le Rêve, 1932, lleno de sensualidad y color.

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Estados Unidos, le ofrece cobijo durante la Segunda Guerra Mundial, que Pablo Picasso rechaza, por temor a abandonar su hogar. No obstante, la misma ubicada al norte de Francia, los alemanes la confisca; pero Picasso durante las salidas ocasionales del ejército, logra sacar los cuadros y esculturas. Durante esta época siguió con la pintura e inició con la poesía, el bronce para sus esculturas, lo obtenía de la resistencia francesa.

Además de Paulo, Pablo Picasso tuvo otros 3 hijos más, llamados Maya, hija de Marie-Thérèse (1935); Claude (1947) y Paloma (1949), con Françoise Gilot, está última amante del artista por 10 años, y además se distingue por ser la única mujer en abandonarlo.

En tal sentido, pese que al final de su vida no tenía relación con sus 4 hijos, de pequeños Picasso era un padre atento y amoroso. Hoy día, Maya estudia la obra de su padre; Claude administra los bienes de la familia; y Paloma se dedica al diseño de joyas con mucho éxito. En tanto su único hijo varón, Paulo fallece en su lucha con el alcohol en 1975.

Pablo picasso, el hombre de los amores, en 1953, se relaciona con Jacqueline Roque, una muchacha parisina de 28 años, ya él contaba 72 años, formalmente fue su segunda cónyuge y compañera final de vida, sería la mujer que reflejaba en sus obras por último 17 años de su vida. Se unieron en matrimonio en 1961, después de su divorcio y la viudez de Picasso; quien a pesar de sus pleitos y separaciones, la unión no fue tan intensa y violenta como las anteriores.

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Nacimiento de Pablo Picasso

Pablo Picasso, nació en Málaga, España, el 25 de octubre de 1881, provenía de un núcleo familia de la alta sociedad burguesa. Por la parte materna, Tommaso Picasso, abuelo (1787), oriundo de Sori en Génova, Italia, quien se dirigió a España cerca de 1807. Su nombre completo era Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso.

De acuerdo a la certificación de nacimiento, según la fe de bautismo llevaba por nombre: Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Crispiniano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso. Hijo primogénito de José Ruíz Blanco y María Picasso López.

Su madre tenía una personalidad sutil y tierna, contrario al padre que según tenía un temperamento, por lo que se presume que Pablo Picasso mostró siempre más respeto y ternura por su madre, por lo que se aprecia del retrato que le dibujó de esta en 1923. Picasso ya a los 8 bajo la supervisión de su padre pintó en óleo el picador amarillo, luego de una corrida de toros. Debido a lo simbólico de esta obra, nunca se separó de ella. (Ver artículo: Museo Mural Diego Rivera).

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Su juventud

Pablo Picasso, en 1895 tras el fallecimiento de la hermana menor, Conchita, conmovido por ese hecho, se fue a Madrid con 16 años, y comenzó a estudiar arte en la Academia Real de Bellas Artes de San Fernando, pero rápidamente perdió interés y dejó de ir a las clases, en contraparte eligió la vida bohemia. Luego entonces antes de retirarse de Madrid nuevamente, duró un tiempo reproduciendo las obras maestras del Prado, llenando cuadernos con bosquejos inventados en la calle, y entablando amoríos con muchachas de la de esta ciudad

Pablo Picasso, era un hombre muy emocional, con cada pérdida le envolvía la melancolía de dichas pérdidas, al igual que con su hermana, pero ahora con un conocimiento del arte, le llevó a explorar los tonos azules para manifestar sus penas. Estos tonos fríos le acompañaron por sus momentos fúnebres durante los años 1901 y 1904. Tal fue caso de la muerte de su querido amigo y poeta español Carlos Casagemas, quien se suicidó en este tiempo y lo conmovió profundamente; Casagemas se refleja en algunos de sus trabajos de esta época.

Dicho estado emocional llevan al joven Pablo Picasso, a manifestar su desazón a través de la pintura, pintando de manera casi compulsiva a ciegos, personas de la calle, músicos callejeros y mujeres sufridas. La tristeza y el dolor expuesto por el artista, además inmortalizados, se convirtieron en patrimonio de la humanidad. Más tarde conoce Fernande Olivier, quien sería primera relación seria del artista, y sus obras toman un nuevo matiz, se llenan de un suave optimismo. (Ver artículo: Museo Picasso Málaga).

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Es entonces, cuando inicia un período rosa para Pablo Picasso, para los años 1904 a 1906, para lo cual pinta figuras de arlequines, saltimbanquis y personajes circenses. Luego desde 1909 y en conjunto con Braque, Picasso da cunda el cubismo, representado en objetos y personas, hasta el límite de lo abstracto. Ya para 1912, el cubismo sintético había sido reconocido y aceptado.

En este mismo año de 1912, durante pasó por la ciudad de París, Picasso llegó a ser integrante de un selecto círculo de amigos  de la clase distinguida en los sectores de Montmartre y Montparnasse, estos eran André Breton, que era poetas Guillaume Apollinaire; André Breton, y los escritores Alfred Jarry y Gertrude Stein. A Apollinaire lo apresaron por sospechar el hurto de la Mona Lisa en el Louvre, además de integrar una banda de maleantes internacional. Este acusó a Picasso, a quien también interrogaron, siendo exculpados luego.

A su vez, introduce en su trabajo artístico, componentes flexibles en forma de recortes de papel y otros materiales  aplicados directamente sobre el lienzo, dicha técnica se denominó collage. El ingreso en el selecto grupo del cubismo del pintor español Juan Gris, conlleva al periodo sintético de este estilo, que resaltaba por la gama cromática más rica y la multiplicidad de materiales y referenciales.

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Más tarde, entrado 1915 y mitad de los años 20; Pablo Picasso, fue distanciando los rasgos del cubismo e inició una nueva etapa de la corriente figurativista, con una mezcla del clasicismo y la corriente que el artista llamó sus «orígenes mediterráneos», siempre buscando nuevas tendencias e innovaciones que permitieran enriquecer su estilo incansable de fuerza, color y expresión, se dice que Picasso reflejaba en sus obras, su estado de ánimo y/o sus emociones más profundas.

Estudios

Como se refirió anteriormente, Pablo Picasso, mostró sus dotes de pintor desde muy pequeño, ya con apenas 10 años, revelando sus  trabajos iniciales llenos de realismo y fuerza, rayando en lo feroz, se interesaba por personajes populares. En la Coruña exhibió sus trabajos iniciales con apenas 13 años, al tiempo que publicaba caricaturas y dibujos en las revistas autoeditadas a mano «La Coruña», «Azul y Blanco» o «Torre de Hércules». Esto tenía lugar los años de 1891.

El año de 1895, fue un año cargado de eventos nefastos que marcaron su niñez; en enero de ese año muere su hermana Concepción, y en septiembre su padre. Que sin duda colocó el sello de sus trabajos posteriores. El joven Picasso ingresó a la Escuela de Bellas Artes de Barcelona y dedicó 2 años de estudios, y pintando al mismo tiempo, es posible que lo haya hecho para complacer a su padre, ya que realizó varios lienzos que mostraban el academicismo sentimental, comparado con la vitalidad de sus obras anteriores en La Coruña.

Fue un destacado, brillante y precoz estudiante, quien a los 14 años superó el mismo día la prueba de ingreso en la Escuela de la Lonja, permitiéndole pasar las dos primeras clases. Se especula al respecto que su padre, al reconocer el extraordinario talento de su hijo en sus iniciales trabajos infantiles, entregando sus pinceles y su paleta, prometiendo no pintar más en su vida.

Fue entonces que 1895 ejecutó su primer gran lienzo académico, llamado La primera comunión, (actualmente se encuentra en el Museo Picasso), Barcelona, donde vivió por 9 años. En 1897 presentó el lienzo Ciencia y caridad, también ubicado en dicho Museo, durante ese verano vacacionando en Málaga, pintó paisajes y corridas de toros.

Seguidamente en septiembre, se fue Madrid para iniciar estudios en la Academia de San Fernando, pero pronto se retiró de dicha Academia. También fundó una revista en 1901 llamada Arte Joven, que duró muy poco. No obstante, aprovechando sus frecuentes visitas al Museo del Prado estudio mejor la obra del Greco, reivindicada por artistas y estudiosos de finales del siglo 19.

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Pablo Picasso se fue a Madrid a fin de comenzar sus estudios en la Academia de San Fernando, donde permaneció por poco tiempo, pues el clima intelectual de la capital no le permitió introducir el modernismo catalán que este pretendía. También inició una revista en 1901, llamada Arte Joven, duró muy poco. Estando Allí visitó en diversas oportunidades el Museo del Prado, con el propósito de estudiar la obra del Greco, reivindicada por artistas y estudiosos de finales del siglo 19. (Ver artículo: Museo de Picasso de París).

Se debe agregar, que Pablo Picasso a lo largo de su vida artística según se evidencia que para 1898 firmaba sus obras como «Pablo Ruiz Picasso», luego como Pablo R. Picasso, y finalmente en 1901 sólo como Picasso. Esta modificación no manifiesta un rechazo de su padre; al parecer Picasso quería indicar que era un personaje, iniciado por sus amigos catalanes, que tomaron la costumbre de llamarlo por el apellido materno.

Volvió a Barcelona en 1898, cuando cuando este contrajo la escarlatina, dirigiéndose en Horta de Ebro, actual Horta de san Juan, donde su amigo Manuel Pallarés, en Ebro, cerca de la ciudad de Gandesa, Tarragona. Allí, Picasso se tuvo un reencuentro con los origines del país y de vuelta al entorno natural, en consonancia con su ideal modernista, lo que constituyó uno de los primeros episodios primitivista de su carrera.

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Ya sin ánimos de permanecer en Madrid para dedicarse a estudiar a los grandes maestros, en febrero de 1899 de vuelta en Barcelona, comenzó a frecuentar la cervecería Els Quatre Gats, sinónimo de la bohemia moderna y sitio donde haría inicialmente su exposición individual, creando allí lazos de amistad con Jaime Sabartés y Carlos Casagemas.

En tal ambiente Pablo Picasso contactó con la corriente anarquista de Barcelona. La pobreza existente en las localidades bajas de Barcelona, los militares enfermos o con heridas graves que volvían a España tras la catastrófica Guerra de Cuba, todo ello cultivó la violencia social que sin duda marcó, a un nivel individual y moral, más que solamente lo político, su sensibilidad, tal como se puede evidenciar en ciertos dibujos elaborados entre los años de 1897 y 1901, como fue El prisioneroUn miting anarquista.

En octubre de 1900, estando en París con Casagemas fue a la Exposición Universal, donde se exhibía una obra de su autoría, Últimos momentos, actualmente se desconoce su paradero.Estando en París influido por el impresionismo, se muestra la realidad social catalana de principios de siglo, por medio de retratos de personajes marginados y miserables. La obra de Nonell y la de Toulouse Lautrec, sin duda marcaron su dirección artística durante ese tiempo, tal como se aprecia en La esperanza (Margot).

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Muerte

Apenas uno años anteriores a su muerte, en enero de 1970, el Museo Picasso en Barcelona recibió en calidad de donación las obras conservadas por la familia de Pablo Picasso. Dándose una extraordinaria exhibición de sus trabajos, y la cual se llevó a cabo en el Palacio de las Papas de Aviñón, desde de mayo hasta octubre.

Para el mes de abril de 1971 la Galería Louise Leiris presentó 194 dibujos del artista, entre el 15 de diciembre de 1969 y 12 de enero de 1971. Otra exposición se dio en la galería Louise Leiris, en enero de 1973, con 156 aguafuertes realizados entre fines de 1970 y marzo de 1972.

Luego de una larga vida, llena de desamores, de pena, de fama y gloria, el célebre y extraordinario Pablo Picasso, deja el plano físico en 1973, cuando contaba con la edad de  noventa y un años, fallece debido a un edema pulmonar en Francia, donde se ubicaba su casa de Mougins. No obstante ello, las autoridades locales no autorizaron la sepultura en la mansión, por lo que su esposa Jacqueline decidió enterrarlo en el Castillo de Vauvenargues, que también le perteneciera a Picasso, y donde ella también sería sepultada años más tarde. 

Pablo Picasso dejó tras de sí un enorme legado en obras y técnicas para lo posteridad luego de vivir intensamente, caracterizado por una personalidad arrolladora y vigorosa. Su obras están a lo largo de los museos más famosos del mundo. Siendo reconocido como precursor del arte moderno y vanguardista del siglo 20, como fue el cubismo, expresionismo, modernismo, academicismo, entre otras técnicas innovadoras y fuente de inspiración para los artistas y estudiosos del arte.

Obras

La obra de Pablo Picasso, como todo proceso evolutivo estuvo marcada por diversos procesos de cambios, es decir que el arte de picasso pasó por etapas y periodos, dejándolos inmersos en sus creaciones su estilo y personalidad. De su variedad de etapas o periodos, el cubismo fue uno de los más resaltantes, por lo que pasó Picasso en toda su vida. Por el cubismo, es conocido en la actualidad, aunque sus otras etapas también marcaron un hito en la época y en la actualidad, pero el Cubismo es el que más se conserva hoy en día.

También se debe hacer mención a la etapa protocubista, debido a la forma por las cuales están hechas las pinturas, es decir, como Picasso ocupa los elementos geométricos para crear algo tan perfecto y complicado de pintar, como los cuerpos humanos, ando forma magistralmente. Se cree que Pablo Picasso tenía un amplio catálogo de obras, superando las 15.000, no obstante, otros investigadores colocan su producción por encima de las 45.000 piezas. A continuación se presenta un breve paseo por las obras emblemáticas de cada periodo: (Ver artículo: Guernica).

  • Periodo Azul: durante este tiempo predominaron los tonos azules en trabajos, de allí su nombre; ocurre entre los años 1901 y 1903. Algunos ejemplos es esta etapa:Dama en Eden Concert (1903), La Vida(1903), Las dos hermanas (1904).
  • Periodo Rosa: esto ocurriría durante el periodo 1905-1906, cuando su paleta se inclinó hacia los tonos rosas y rojos, destacando: Familia de Arlequín (1905) y tuvo una obra maestra, Gran holandesa.
  • Protocubismo: ya para el verano de 1906, en Gosol, su obra iniciará una fase con influencia africana. En este etapa Picasso se desconecta de los parámetros de arte que representaban la realidad tal cual, por el contrario, transforma esa realidad con figuras geométricas. Algunas obras características : El retrato de Gertrude y  Las señoritas de Avignon.

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  • Periodo Cubista: ocurre para 1908 a 1916. En esta etapa Pablo Picasso tiene una manera de pintar neoclásica, muestra una pintura pura, y para ello observaba los objetos de su taller, de forma intelectual. Obras de este tiempo: El Retrato de Vollard (1910), “le guitariste” (1910) y El aficionado (1912).
  • Periodo Neoclasicista: tal etapa comienza en 1917 y  culmina en 1927. En este periodo muchos artistas toman un giro de vuelta al clasicismo. En de Picasso, una vuelta al desnudo monumental, al dibujo de línea precisa como los retratos de Ingres, al equilibrio.
  • Época expresionista: cuando inicia l Guerra Civil Española, el gobierno republicano nombra a Picasso para que dirija el Museo del Prado. En cuyo año de 1937 ejecutó uno de sus cuadros más famosos, el Guernica, como argumento contra la guerra y el terror infligido a la población civil durante el bombardeo alemán sobre Guernica.

En estos años casi todos sus trabajos muestran sentimientos de angustia, como reflejo del problema social que trajo la guerra. El punto culminante de su expresionismo lo marcan sus cabezas de dos caras. En escultura realiza las piezas más abstracta, sin método ni sistema.

  •  Periodo de Vallauris: marcado como el periodo donde trabaja la cerámica, y logra realizar cerca de 2000 piezas (El hombre del cordero de 2,20 m de altura); Autorretrato (1907); es una de las últimas que hizo, ya que se identificó con el postimpresionismo, trayendo de vuelta el rosa de su periodo rosa. Destacan en sus obra los tonos rojizos, oscuros o claros, en las distintas partes de cuadro.

En el fondo de la parte izquierda combina el color rosado como base junto con café y azul, dando el efecto de oscuridad en la parte inferior. Luego con tonos rojos y naranjas se va aclarando a medida que se sube. Los tonos de la cara llevan un gris como base, que junto con los rojos, amarillos y naranjas forman el tono de la piel. En esta época, Picasso va dejando de lado la perfección de la forma para fijarse más que nada en lo fundamental.

Ahora, este genio del arte moderno, dejó como patrimonio obras magistrales emblemáticas de su tiempo,y que constituyen su trabajo esencial y que permiten comprender a Pablo Picasso, considerando en ello cada una de sus fases artísticas, como algunas de las que se referirán a continuación:

  • Primera comunión (1896): sus trabajos expresan el inicio de búsqueda, como este óleo sobre tela, pintado cuando el artista frecuentaba la Escuela de Artes La Lonja. El lienzo simboliza a su hermana, Lola, durante la primera comunión, un momento solemne de cambio de la infancia a la vida adulta en la fe católica.

  • La vida (1903): Pablo Picasso enfatizó su obras con colores azules y temas como prostitutas y borrachos. Inspirado en un viaje a España, y por el suicidio de su amigo Carlos Casagemas, que fue retratado luego de su partida.
  • Garçon à la pipe (1905): predomina el uso de tonos claros, cálidos y leves, principalmente el rosado. Picasso residió en París, llevando una vida bohemia en Montmartre. También influyó al pintor, que retrató muchos acróbatas, bailarinas y arlequines.
  • Gertrude Stein (1905): está encargó su retrato a Picasso. Se convirtió en amiga del pintor y una de las más importantes financistas de sus obras. El retrato de Gertrudis corresponde a una transición entre la etapa rosada y el primitivismo. En su rostro se puede percibir la influencia de las caretas africanas que lo acompañarán en su siguiente etapa.
  • Las damiselas de Avignon (1907): esta obra marca el inicio de la etapa donde el artista sufre una gran influencia del arte africano, que duraría entre 1907 y 1909. A pesar de que en el cuadro el arte ibérico hace presencia, es posible ver claramente las referencias de África. (Ver artículo: Museo del Prado).

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  • Retrato de Daniel-Henry Kahnweiler (1910): en esta época, los artistas buscaban analizar el objeto en sus términos y formas. La paleta de colores se volvió monocromática y neutra. En esta obra, Pablo Picasso plasmó a Daniel-Henry Kahnweiler, dueño de una galería de arte en París. Con el Picasso cambió la forma de retratar, rompiendo con la tradición.
  • Cabeza (1913): Picasso comenzó a usar trozos de papel, como papel tapiz y prensa escrita en sus obras. Fue uno de los primeros en utilizar la técnica del collage en sus obras. Durante este período, el artista mantuvo contacto con diversos artistas en París, como André Breton y el escritor Apollinaire.
  • Paulo como arlequín (1924): es un representación de su hijo como arlequín, se ubica en la fase clasicista-surrealista (1919-1929). Al culminar la Guerra, muchos artistas de Europa buscaron en el clasicismo un modo de restituir el orden. Al tiempo que las vanguardias artísticas seguían dejando huella.
  • Naturaleza muerta (1924): es una muestra un entorno natural sin vida, elaborada en esa fecha que el lienzo de Paulo como arlequín, muestra lo versátil e ingenio del artista. Pablo Picasso pasa de un dibujo que representa la realidad al ejercicio de sobre lo abstracto.

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  • El artista y su modelo (1928): en 1925, el escritor André Breton, ideólogo de la la corriente surrealista, y Picasso representa este estilo. Aun cuando no haya seguido al pie de la letra los preceptos de dicho movimiento, y se mostró en la primera exhibición del grupo en el año 1925 con obras de la etapa cubista.
  • Guernica (1937): esta magistral obra, representa la crudeza de la Guerra Civil Española. Durante el período de 1930 a 1939 las constantes figuras del arlequín sus obras, fueron sustituidas por el minotauro. Sus cuadros se volvieron sombríos, apelando al uso de colores pasteles.
  • Busto de mujer con sombrero con flores (1942): muestra su estadía en París durante el ataque nazi de la Segunda Guerra Mundial. El artista participó en variadas exposiciones y recibió algunas visitas de la policía política del modelo fascista. Al final de los años 40, ya era una celebridad y tanto su obra como su vida personal eran de interés general.
  • Jacqueline de manos cruzadas (1954): ya está consagrado como pintor. Muchas de sus obras son retratos de su esposa Jacqueline. Él también realizó diversas esculturas, incluyendo una estructura gigante conocida como Picasso de Chicago. En 1955 colaboró con el cineasta Henri-Georges Clouzot a realizar una película sobre su vida llamada El misterio de Picasso. Esta obra de Jacqueline Picasso la realizó en varias versiones, con flores en el taller, en cerámica. Seguidamente Jacqueline de manos cruzadas en cerámica.

PABLO PICASSO

Pablo Picasso fue un artista muy fecundo en su creación artística. Este malagueño, junto con descomunal cotización de su trabajo, representó una de las herencias más complejas y voluminosa de la historia reciente. En su libro, Picasso. Retratos de familia, su nieto Olivier Widmaier Picasso, detalla el resultado de la catalogación realizada tras la muerte del artista en 1973, pudiéndose evidenciar al amplio legado que dejaría Pablo Picasso en toda su obra:

  • Pinturas: 1.885
  • Dibujos:  7.089
  • Esculturas: 1.228
  • Litografías: 6.112
  • Cerámicas: 2.800
  • grabados: 18.095
  • Láminas: 3.181 .
  • Cuadernos: 149
  • Dibujos y bocetos:  4.659
  • Tapices: 8
  • Tapicerías: 11

PABLO PICASSO

Los tres músicos

Pablo Picasso, realizó este trabajo durante su permanencia en Fontainebleau, en 1921, es una de sus obras icónicas de la etapa conocida como el cubismo sintético, es un óleo en lienzo, de 200 x 222, y está en MoMA; Nueva York. Dentro de la extensa producción artística de Málaga, se puede encontrar es estilo del cubismo sintético como ejemplo final de sus experimentos con la fuente cubista, la cual se caracteriza por un compuesto de escenas con superposiciones de planos de color, para crear figuras que se puedan reconocer. (Ver artículo: Museo Sorolla).

En tal sentido, es la pintura, se pueden observar los tres personajes que Pablo Picasso compone, en una escena con tres figuras sentadas y dispuestas en conjunto a la otra. Para conformar las figuras, primeramente procede a descomponer en forma sencilla con colores, magistralmente colocadas una junto a la otra, permiten hacer fácilmente reconocible las figuras dispuestas en la pintura.

De igual forma permite visualizar a los músicos de perfil y de frente a la vez,  ello obedece a dicha técnica de superposición de planos, como si fueran estampas. Con respecto a la forma propiamente dicho, Picasso utiliza la técnica del collage, que él domina a perfección, observado en colores de las prendas de vestir de los personajes, conformando superficies que parecen elaboradas en papel pegado, una sobre la otra, dando alegría y vivacidad, incluso, como movimientos internos.

PABLO PICASSO

En tanto, las figuras, sobre todo sus manos, están ideadas como en una forma de naipes, en una especie de confuso simbolismo. Es una técnica da la sensación de ser un collage pintado, simplifica en demasía, en entendimiento de la obra, en contraposición a las dificultades de identificación de los trabajos de la etapa del cubismo hermético, trabajado maravillosamente Picasso y Braque, y como su propio nombre señala, prácticamente eran irreconocibles.

Otro análisis de los músicos de Pablo Picasso, es que estos se muestran de frente y representando un arlequín, un pierrot y un monje. El artista quiso representar los prototipos de la comedia y los colocó tocando un instrumento musical. La simplificación formal se evidencia claramente. Sus formas muy parecidos a un puzzle geométrico, confundiendo los protagonistas y los propios colores del fondo, erradicando cualquier sensación de profundidad.

Tal exposición de lo abstracto oficial de los planos en descomposición de la obra, es que tiene una carga de realidad en las notas musicales de la partitura que tiene el protagonista de la derecha, identificado como un monje. Los siguientes dos personajes, el de la izquierda representa a un pierrot con un saxofón y el del centro a un arlequín con una guitarra.

Para los críticos de arte han identificado al arlequín del centro como el artista, debido a su capacidad de transformar la realidad, como un recurso que usó antes de forma reiterada en su obra para referirse a sí mismo. El Arlequín por su parte, es una personaje recurrente del autor que lo relaciona con la cultura popular, que asocia a otros estereotipos como mendigos, prostitutas o payasos. Expone el drama de la vida de quienes no logran una condición como la que él alcanzó.

Pero además tiene una explicación oficial en los ropajes de rombos que caracteriza al artista, y que se adapta perfectamente a la descomposición de planos y colores que identifican la corriente del cubismo. En tanto, la último miembro de la escena y que pasa desapercibida es la de un perro, sentado entre las piernas del músico del centro y que refuerza la sensación bohemia y triste de la función de los bordes planos y oscuros del cuadro. Y como este cuadro, cada obra de Pablo Picasso, refleja alguna realidad social de su entorno,un sentimiento, o un deseo.

Titanic

La película sobre la tragedia del Titanic, causó furor en el mundo del espectáculo cuando se estrenó en 1997, propinando cuantiosas ganancias económicas a su autor James Cameron. Como película, fue emocionante y absorbente, narrando la trágica historia de la pareja ficticia de estrellas cruzadas, Rose y Jack, por Kate Winslet y Leonardo DiCaprio, a bordo del lujoso transatlántico.

 pablo picasso

Ciertamente, la película se originó en eventos reales y algunas personas reales, muchos de los puntos de la historia están ficticios o se estiran para obtener una licencia artística. Dentro de algunos estaría el famoso collar Le Coeur de la Mer (El corazón del océano), entre otras.

No obstante, también se dieron algunos eventos relacionado al arte, específicamente, las pinturas,) propiedad de Rose en la película, puntos de los cuales han hecho que la gente se pregunte si las piezas realmente se hundieron con el Titanic. Existen versiones que apunta a que la pintura Waterlilies de Monet, pese a existía en el momento del histórico del titanic, nunca estuvo a bordo, y nunca se hundió con la nave. Pero la mayor controversia se ta tejido en torno a la pintura de Pablo Picasso, Las señoritas de Avignon. 

Por ello las personas se preguntan si esta pintura realmente pereció con el Titanic; pues se dice que no, aunque esta pintura de 1907, ya existía en el momento del desastre del Titanic en 1912, se asegura que no estaba en el barco; de hecho permanece en la pared de entrada del Museo de Arte Moderno, donde ha estado durante décadas.

PABLO PICASSO

En la película, Rose sostiene esta pintura muy famosa de su equipaje cuando se instala en sus habitaciones. En la versión original del Titanic, y dicha pintura se ve hundiéndose en el fondo del océano, junto a Jack. Pero curiosamente, esta escena no está incluida en la versión 3D, que se estima proyectar. En su lugar, se usó el trabajo de Edgar Degas, L´Etoile . Aunque, al igual que los demás, esta pintura nunca estuvo a bordo del Titanic, es una obra que está en el dominio público.

Pero ¿Por qué fue reemplazado el Picasso en la escena de hundimiento? Quizás toda la confusión llevó a Cameron a sustituirlo. De hecho, es una combinación entre la confusión y la infracción de derechos de autor que impulsó dicho cambio. También se cree que Cameron no tuvo el permiso de la propiedad de Picasso, para portar esta obra de arte particular de Picasso. No obstante, a la fecha no existen respuestas, quedando entonces abierta las interrogantes: ¿Por qué lo usó Cameron si no tenía permiso? ¿Y por qué la finca no otorgó permiso?. Quizás nunca se sepa.

Lo más probable es que el patrimonio de Picasso no otorgó permiso, porque la obra maestra nunca estuvo a bordo del barco, y obviamente nunca se perdió. La solicitud original de James Cameron para incluirla en la película original de 1997 fue rechazada. Pero lo usó de todos modos. Cuando la Sociedad de Derechos de los Artistas; una compañía que representa a los artistas visuales y sus propiedades, Picasso’s se quejó, Cameron pagó una tarifa por usar la imagen.

Sin embargo, con el lanzamiento de Titanic en 3D, la Sociedad estaba de vuelta, afirmando que el uso no está cubierto por el acuerdo original. En este momento, no se ha efectuado ningún pago, y el resultado será interesante: una batalla titánica de propiedad intelectual contra el uso justo. Solo el tiempo lo dirá, pero la película Titanic continúa, contra viento y marea.

pablo picasso

Minotauro

El minotauro de Pablo Picasso, 1935, es un arte Gráfico, ubicado en la colección del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, de Madrid. Representa una figura de la mitología, representa al hombre y al anima, debido a su mitad humano y mitad toro, obsesionó a Pablo Picasso hasta el punto de dedicarle una extensa serie de grabados que conlleva a La Minotauromachie, un aguafuerte, buril y rascador hoy considerado un precedente del Guernica por la factura de las figuras y su disposición.

Esta extraña figura, Picasso la utiliza en variadas ocasiones a lo largo de la trayectoria artística. Se ha llevado una muestra en la Fundación Juan March, para indagar sobre el mito de esta nombre / animal como contrapunto del «yo del artista. Ahora de acuerdo al mito original, este atípico animal se originó del encuentro entre un toro y Pasifae, esposa de Minos; éste al enterarse de la aventura de su mujer, ordena a Dédalo que elabore un laberinto para apresar al minotauro, que finalmente muere en manos Teseo.

Pese a esta referencia mitológica, Pablo Picasso genera otras fábulas sobre el minotauro, según información suministrada por su compañera, la pintora también Françoise Gilot. De acuerdo a su versión, Picasso creía que los minotauros son ricos pobladores de la costa de Creta.

Sus viviendas, colmadas de obras de arte y mujeres hermosas, llevan a cabo a menudo encuentros festivos que terminan en orgías, haciendo felices a las mujeres con las que sostienen relaciones de sentimentales encontradas. Los domingos, los minotauros encuentran la muerte a manos de gladiadores griegos.

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Mujer Mojando

Sobre esta obra en particular no se refiere mayor información, no obstante, se piensa que la misma obedece a los sentimientos y la mujer que tocó su vida en algún momento; se sabe que Pablo Picasso fue un hombre de apariencia y temperamento fuerte, lo que misteriosamente llama la atención del artista, pues oficialmente  las mujeres en la vida del pintor malagueño fueron siete.

Cuando se refería alguna pregunta de tipo personal, sobre el papel e influencia de estas en su vida, argumentaba que las había querido a todas. De hecho, muchas de ellas aparecen en sus obras, pero no todas, por lo que se cree que no todas le inspiraron en la misma medida. Por su parte Jacqueline Roque, su mujer en los últimos años de vida, está más veces presente, hasta en 282 obras.

En tanto, aparece en 262 Dora Maar, le acompañó desde la Guerra Civil hasta el fin de la Segunda Guerra Mundial. En un segundo plano están Marie-Thérèse Walter, madre de su hija Maya; y Françoise Gilot, madre de Claude y de Paloma, su hija pequeña, y con mayor presencia en su trabajo artístico. A todas las mujeres de su vida las pintó más que a sus hijos y su padres, a excepción de Eva Gouel, con quien tuvo una breve relación.

Por último está, Olga Khokhlova, su mujer inicial y con quien tuvo su hijo mayor, Pablo, abarca la posición cinco dentro de esa escala, por delante de su primer amor formal, Fernande Olivier. En 1935, año este que se separó de Olga, fue un tiempo dura y flojo, descontando los primeros de su vida. Tan solo 59 obras en un tiempo en el que dejó la pintura durante meses para escribir poemas surrealistas. Las guerras no apelmazan su pincel, sino al contrario, le sirvieron de inspiración y reflexión.

Guernica

Guernica es una obra en óleo en lienzo del año 1937, elaborado por el Pablo Picasso. Este estupendo cuadro está simbólicamente cargado de significado histórico como se puede apreciar seguidamente. En principio obedece a un pedido para la nación española de la exposición internacional en París de 1937. También se considera una pintura de tipo propaganda por su carga protestante contra los bombas alemanas que arrojaron en la ciudad de Villa Vasca de Guernica en 1937, en el marco de la guerra civil ocurrida en España.

Se afirma que es uno de los cuadros de mayor envergadura de la trayectoria del pintor Pablo Picasso y del propio siglo 20, por su contenido político mezclados con el cubismo y la expresión que lo tornan único. Es cuadro tipo mural actualmente se ubica en el Museo de Arte Reina Sofía en Madrid, España, y mide 349,3 cm de alto x 776,6 cm de ancho.

La vergonzosa razón de esta tragedia fue estribó en que la fuerza alemana probó la capacidad de destrucción de sus nuevos aviones y sus armas ante la inminente llegada de la Segunda Guerra Mundial. De forma inexplicable, Franco en una delirante declaración culpó del ataque a los republicanos que así habrían conseguido una excusa, bombardeando una ciudad de su zona, para contar con elementos de acusar a los nacionalistas de Franco. Situación que nadie creyó por falta de argumentos razonables.

PABLO PICASSO

En ese momento histórico de la visita de Pablo Picasso a España justo antes de darse la guerra civil, supuso un hecho curioso de la fiesta de los toros, cuyos elementos aparecen en la obra: el toro símbolo de fuerza, brutalidad y oscuridad, el caballo de la inocencia y la víctima indirecta de todas las tragedias, el espacio acotado y la espada. Los símbolos taurinos muestran aquí la esencia de España y su sufrimiento.

La luz del candil que alumbra el acto central de forma de triángulo y no se sabe a ciencia cierta si refleja una escena interior o al aire libre, debido a la ausencia espacial, que no suministra ninguna clave al respecto. El cuadro es el más elaborado y pensado de Picasso, ya que para lograrlo, elaboró 45 bocetos o estudios previos, que fotografió y amplió con el fin de componer el conjunto de una manera coherente y expresiva.

Luego de culminada la Guerra Civil en ese país que conlleva la caída del gobierno republicano, el Guernica no volvió a España, que estaba en poder de los fascistas, sino que viajó al M.O.M.A. (museum of modern art) de Nueva York. Por petición de Picasso.

Con la muerte de Franco en 1.975 y recuperada democracia, el cuadro es mostrado en el Casón del Buen Retiro. Allí despierta gran expectativa y miles de ciudadanos se forman en grandes filas para admirar esta obra, adquiriendo así ese carácter de símbolo imperecedero que lo caracteriza.

Cubismo

El cubismo fue un corriente del arte desarrollado entre 1907 y 1914, originario de Francia y obra de Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Constituyó una tendencia esencial, debido a que sirvió de base para el resto de las vanguardias europeas del siglo 20. No se trata de un ismo más, sino más bien,de la ruptura definitiva con la pintura como se había conocido de manera tradicional. (Ver artículo:Museo Van Gogh).

El cubismo es considerado como el primer frente, ya que deshace el último estatuto del renacimiento imperante a inicios del dicho siglo 20, como fue la perspectiva. En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional, como se conocía y manejaba. Pues transforma las formas de la naturaleza a través de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies.

El cubismo nace en los  primeros años del siglo 20, convirtiéndose en uno de los primeros frentes artísticas de la época. Entre los hechos que acompañaron su nacimiento, se ha indicado comúnmente, tanto la obra de Cézanne como el arte de otras creencias y saberes, particularmente la africana.

En efecto, Cézanne pretendió representar la realidad minimizando sus formas básicas, intentando mostrar volúmenes en la superficie plana del lienzo de forma nueva, tendencia que fue seguida por los cubistas. Ya antes que él, los neo impresionistas Seurat y Signac tendieron a estructurar geométricamente sus cuadros.

El concepto de cubismo fue originario del crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había nombrado a los fauvistas, como fauves (fieras); en el caso de Braque y sus pinturas, Vauxcelles señaló sin importancia, que era una obra constituida por pequeños cubos y figuras geométricas.

Por todo ello se originó el concepto de cubismo. Ahora, el cubismo también está presente en la literatura, y en la poesía en donde la composición, conforman sus formas e imágenes dependerá del tema, al igual que la rima es potestativo y no tienen una métrica específica ni se estructura en versos.

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Características

Como se indicó anteriormente esta rica y cautivadora corriente del arte llamada cubismo, se estima como el primer frente del arte, por cuanto rompe con el periodo del renacimiento, que estaba  imperando en el mundo hasta inicios del siglo XX. El arte de las obras cubistas, no hay perspectiva convencional, pues trabaja las formas de la naturaleza a través de figuras con una geometría inusual, fragmentando líneas y superficies. A continuación se presentan sus principales rasgos que caracterizan este novedoso movimiento:

  • El cubismo representa la realidad subyacente a través de figuras superpuestas, logrando un efecto visual disruptivo y fragmentado.
  • Hace uso de matices y tonos grises, verdes y marrones, apartando de su entorno los colores típicos de la corriente impresionista, al inicio de esta corriente, la gama de la monocromía, era la única herramienta válida para el pintor.
  • El cubismo coloca sobre sus elementos en un mismo nivel, apartando de si, la apariencia real de las cosas y su profundidad.
  • En algunas oportunidades el cubismo logra utilizar un corto alegato, que le lograra explicar la propuesta del autor, debido a la dificultad del análisis por parte del espectador.

  • El cubismo como se ha dicho es una corriente del arte de los más importantes de todos los tiempos. Su forma es incomparable, además de su rompimiento del concepto sin igual.
  • Las formas se configuran en cubos y colores a través de las composiciones se pueden ver desde todos los puntos de vista paralelos.
  • Los cubistas continuaron en su búsqueda constante de la inspiración en los referentes del pasado: paisajes, retratos, bodegones, etc.

En el cubismo, aparte de utilizar pintura para crear obras, se agregaron nuevos materiales en el proceso; naciendo así los collages, que mezcla el óleo habitual con plásticos, papeles, metales, cuerdas u otros objetos de uso cotidiano. Esta técnica se puede visualizar en Bailamos hasta que nos dé el día, de Carlos Humberto.

La obra final resulta incomprensible, para los curiosos, pero guardan infinito significado, ya que existe un referente naturalista inmediato, lo que justifica que fuera el primero de los movimientos artísticos que necesitó una explicación por parte de la crítica, llegando a considerarse el discurso escrito tan importante como la misma práctica artística. De ahí en adelante, todos los movimientos artísticos de vanguardia vinieron acompañados de textos críticos que los explicaban.

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Pinturas

El malagueño Pablo Picasso presentó variadas etapas en su trabajo antes de llegar al cubismo. Dejando huellas imborrables en sus pinturas. Por lo que además se considera desde el génesis del siglo 20, como un extraordinario pintor de su época, de los que participaron en diversos movimientos del arte mismo, y que se difundieron por el mundo, ejerciendo una importante influencia en otros artistas de la época.

Fue un hombre trabajador y muy productivo en su arte, pintó más de dos mil obras, presentes en distintas salas y colecciones de todo el mundo. Además, fue un ser polifacético que dirigió su mirada hacia otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales.

Esta pintura sobre La Maternidad de 1901, corresponde a su época azul, se vendió en 1988 por una considerable cantidad de dólares en una subasta de pinturas impresionistas, en Nueva York. Representa una madre amamantando a su pequeño, muestra una faceta de Pablo Picasso tierna y conmovedora; muy pocas obras del artista refleja la delicadeza y ternura de la humanidad.

En tanto, el retrato de Dora Maar, 1937, corresponde a la pintura de retratos pictóricos, fue una fotógrafa que sostuvo un amorío bastante difícil con el pintor a finales de los años 30 e inicio de 40. Varios son los retratos que realizó Pablo Picasso de Henriette Theodora Markovitch, nombre real de Dora Maar; algunos de ellos se encuentran en el Musée National Picasso de París.

Este retrato muestra una imagen femenina de manos afiladas, una obra llena de color y originario, en el cual usa doble perfilado de la cara, esta supone una representación simultánea; además, la tensión de la obra se ve ligeramente ente aumentada por el diferente uso del color en los ojos de la figura retratada.

El Cráneo de Buey, 1942, titulado Nature morte au crâne de boeuf, pintado en abril de 1942. Es un óleo en lienzo. Pablo Picasso pintó este cuadro en el transcurso de la segunda guerra mundial. Este lapso de los años 40, se marcó por el regreso del bodegón con su fractura, su tema. El Bodegón estaba representado como alegoría, para mostrar la impotencia de Picasso frente a los conflictos. No pudo permanecer en la soledad, se abría al exterior, pintando, para traducir su situación de espera del día en que podría existir de nuevo.

Bañista sentada a la orilla del mar, 1930. Corresponde a una fase a la que una parte de la crítica, con la necesidad de catalogar la producción de un momento muy complejo de la vida y de la ejecutoria del autor, ha calificado a la corriente en la que se inscribe esta pieza como período de monstruos, resulta un ejemplo de tal compendio de obras agrupadas bajo esta denominación. Esta es una violación al famoso cuadro de Edouard Manet que el artista realizó entre sus muchos intentos por traspasar el arte más representativo de finales del siglo 19.

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Autorretrato

El retrato que Pablo Picasso hiciere de sí mismo, representa una una pintura en óleo, magistralmente ejecutada por el artista en 1896; esta obra forma parte de la colección permanente del Museo que lleva su nombre en Barcelona, donde ingresó en calidad de donación del artista en 1970; el mismo está expuesto en la sala 1 del referido museo.

Picasso elaboró su retrato en el mismo momento que hacía varios retratos de sus padres. En todos esas imágenes se evidencia un impulso en captar y mostrar la esencia del hombre. Sin dejar de lado el academicismo oficial, ésta es una obra espontánea, con pinceladas más prominentes, que otras del mismo estilo.

Este muestra del trazos enérgicos del artista denota el dominio adquirido por el joven Pablo Picasso y representa, en su origen, un paso decisivo, ya avanzado de los primeros tanteos de La Coruña. A lo largo de los años, especialmente hasta 1919, Picasso hizo muchas interpretaciones de su imagen. El Museo Picasso de Barcelona conserva gran parte de ellos, alusivos a la primera época.

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​Se Puede observar en algunos de ellos, que se muestra él solo y en otros con sus amigos Pallarés, Casagemas y Sebastià Junyer, incluyendo uno con disfraz y con peluca, también llamado así, Autorretrato con peluca. En varios de ellos, usa diversas técnicas. En especial, son sugestivos porque, al estar elaborados en épocas diferentes, reflejan estilos distintos.

Se evidencian unos con un estilo más moderno, novecentistas, azules, rosas, primitivistas, cubistas.Un dato al respecto, es que por medio de sus autorretratos, se puede seguir su doble evolución, tanto física como artística. Cada uno de ellos aporta algo nuevo a su hoja de vida y trayectoria personal. En la última época de su vida, Pablo Picasso aparece en sus obras no como individuo, sino como personaje, como por ejemplo en El pintor y la modeloEl artista y la modelo Pintor trabajando.

Padre del Cubismo

Se dice por algunos expertos del arte, que el padre del Cubismo como en el término estricto, nació en Francia, y que el padre es Georges Braque. Ahora bien, tal vez esto obedezca a los momentos del cubismo; y es que esta conocida artísticas se compone de dos etapas o tendencias, la primera es el «Cubismo analítico», donde prevalecen los tonos grises y ocres. Donde se descompone la realidad observada en variados componentes geométricos, por la variedad de opiniones representados, al punto que algunas obras rayan en lo abstracto.

La segunda tendencia es el «Cubismo Sintético», en esta etapa, se reflejan las palabras y los números. En tal sentido los padres del cubismo como tendencia y realidad artística son en consecuencia Pablo Picasso y Georges Braque, quienes incorporaron enriquecieron esta tendencia con páginas de diario y papeles pintados, dando lugar así el collage. En esta tendencia los colores son más vivos y los objetos representados son más figurativos.

Ambos padres del cubismo, es decir Braque en conjunto con el artista español, los llevó a descubrir una nueva tendencia que luego se transformaría en vanguardia artística a nivel global. Ya notorio en»Las señoritas de Avignon» donde Picasso rompió el realismo y la perspectiva, reduciendo la obra a planos angulares sin fondo. Juntos profundizaron esta ruptura experimentando nuevas formas de usar el color, las figuras geométricas y adoptando lo que después se llamaría «perspectiva múltiple», representan las partes de un objeto en un mismo lugar.

Ahora, ¿Porqué se dice que nació en París?, pues es debido a que el centro neural del cubismo fue la ciudad de París, y no obstante, el jefe y maestro de este movimiento aparece el español Pablo Picasso, a quien siguió el también español Juan Gris y los franceses Georges Braque, además de Fernand Léger. En efecto, el cubismo lo crearon  estos dos artistas en 1909. Ahora el nombre responde al crítico Louis Vauxcelles, que llamó a ese tipo de pintura «cubique extraño», por estar llena de cubos.

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En tanto, como componente que dio fuerza al cubismo prevalece la influencia de las bustos de origen africano y las exhibiciones retrospectivas de Georges Seurat, en 1905 y de Paul Cézanne en 1907. Lo que Picasso y Braque consideraron de Cézanne fue la técnica y lograr una nueva figura, dando a los objetos solidez y densidad, alejándose de las tendencias impresionistas que acabarían disolviendo las formas en su búsqueda exclusiva de los efectos de la luz.

Por último, todo ello no se habría convertido en realidad sin la fotografía, debido a que esta representa la realidad visual de manera exacta de la pintura, siendo que soltó a este último arte el deber de exponer las situaciones tal como se muestra ante los ojos del observador, obligando a los artistas a buscarle un sentido diferente. La aparición del cubismo se ha relacionado, también con otros tres hechos acontecidos en esas décadas que revelan que las cosas pueden ser diferentes a como aparentan ser:

  • El psicoanálisis que muestra  la existencia de la motivación más profundas para los actos y pensamientos humanos.
  • El interés por la cuarta dimensión, producto de la revolución acaecida en la geometría del siglo 19.
  • La teoría de la relatividad que señala que el mundo no es exactamente, en su estructura profunda, como lo presentaba la geometría euclidiana.

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Curiosidades de Pablo Picasso

A los artistas se les conoce por sus obras, sus tendencias artísticas y su aporte como protagonistas de un tiempo histórico en particular; en el caso de Pablo Picasso, no escapa de esta realidad,  pues el genio además del genio, precursor del cubismo, y sus innumerables obras, mundialmente reconocidas y admiradas, su vida al igual que cualquier persona transcurrió llena de anécdotas un poco menos conocidas, pero que si duda forjaron su carácter. A continuación  presentamos 10 curiosidades que seguro no conocía de este célebre malagueño.

  • Su nombre completo: según figura en el registro civil, es el siguiente: Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso. Y esto es debido a que para la época en llegó al mundo, era tendencia poner a los niños nombres largos, y sus padres tomaron la moda de manera muy seria.
  • Se especula que cuando Pablo Picasso nació, la partera, debido al mal parto de la madre y que el niño no reaccionaba, lo creyó muerto, dejándolo en una mesa para atender a su mamá. Gracias al tío de éste que estaba en el lugar, al verlo le echó una bocanada de humo de cigarrillo, reaccionando el recién nacido.
  • Su padre también fue artista: José Ruiz Picasso y docente de dibujo en Málaga. Cuando pintaba a la naturaleza muertas o flores, Picasso mostraba interés y atención. Su papá trazaba con recurrencia palomas; animal que el artista representaría durante su vida en casi todas sus obra.
  • Su primera frase fue «piz»: se dice que comenzó a pintar antes de pronunciar palabras, y su madre, María Picasso solía contar la anécdota de que sus primeras palabras no fueron ni “mamá” ni “papá”, pues con solo un año, solo decía “piz, piz”, solicitando un “lápiz”; herramienta de dibujo que su padre siempre tenía en sus dedos.

  • Su primer trabajo artístico con óleo lo hizo con tan solo 8 años de edad: llamado “Crepúsculo en el Puerto de Málaga”. Luego de la cual le seguirán retratos de su familia, paisajes, bodegones, escenas taurinas y otras copias de obras.
  • Fue un estudiante rebelde: mientras sus compañeros atendían a la clase, Pablo Picasso no dejaba de dibujar palomas y toros en sus cuadernos. También se dice que le costó bastante aprender el abecedario. Por lo que pasó varias tardes en detención, pero él nunca lo vio como un castigo: “Lo que más me divertía del Instituto Da Guarda, era cuando, por mal estudiante, me trasladaban a los calabozos”.
  • Lo acusaron del robo de la Mona Lisa, 1503–1517: en 1911, Vincenzo Peruggia, un ebanista italiano ex trabajador del Louvre robó la Mona Lisa. El autor intelectual del crimen fue Eduardo Valfierno (un argentino), que hizo que Peruggia hurtara a la Mona Lisa, diciéndole que esta debía estar en Italia, su casa de origen. Perugia logró salirse con la suya, y abandonó el museo con la obra. Cuando se percataron de la desaparición, acusaron a Picasso y a Guillaume Apollinaire del hurto, y la policía los interrogó en París.
  • Un millonario de las vegas arruinó «Le Rêve» (El sueño) 1932: Steve Wynn, propietario de casinos y hoteles en la Vegas tales como The Mirage, Treasure Island, por accidente le dio un codazo a esta pieza dejando un agujero en el lienzo, una de las obras más valiosas del legado de Picasso. Lo peor de la historia, es que Wynn acababa de vender el cuadro a otro coleccionista por casi 140 millones de dólares, y antes de dárselo, mientras se lo presumía a unos amigos, provocó accidentalmente el daño.

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  • Pablo Picasso también fue poeta: se reconoció como poeta, pero con tendencia a expresarse por medio de sus pinturas, dibujos y esculturas, en la década de 1930 logró componer poesía, y de 1940 a 1950 escribió también obras de teatro.

Guillaume Apollinaire lo conoció un día, y le cautivó la habilidad del joven español para traspasar la barrera de la palabra.“Después de todo, las artes son todo lo mismo, uno puede escribir una pintura en palabras de la misma manera que puede pintar sensaciones en un poema”. «Los cuadros son locas con el corazón carcomido por burbujas radiantes anudados los ojos a la garganta del latigazo caramboleado aleteando aleteando sobre el cuadrángulo de su deseo», enero 1936.

  • Si le fastidiaba alguién, disparaba: el historiador y filósofo Arthur I. Miller escribió en “Einstein, Picasso: El Espacio, El tiempo y los estragos de la belleza» que en el año 1907, Pablo Picasso tenía un arma cargada con pólvora, con el que disparaba aquellos admiradores que le interrogaban sobre el significado de sus pinturas, teorías de la estética o a cualquiera que se atreviera a insultar la memoria de Cézanne.

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Aportaciones

Pablo Picasso fue un hombre de una vida y una obra intensa, se encargó de levantar milímetro a milímetro su imagen con apoyo de un cuerpo de trabajo masivo y brillante que desafía la lógica. Su aporte en la pintura para las generaciones futuras del arte se pierden de vista; como el caso de sus obras Les femmes d’Avignon y Guernica, que rompieron los esquemas del arte clásico.

Asimismo, logró elevar el arte a una altura sin precedente con la incorporación de novedoso elementos, a su arte sin miedo al qué dirán logró enriquecer sus trabajos con creatividad y esfuerzo. Durante el siglo 20 fue testigo y protagonista de nuevos aportes en el ámbito artístico, creador inimitable de las diversas corrientes que revolucionaron las artes plásticas.

Pablo Picasso también dejó su aporte popular, penetrando la arquitectura, la moda y, como padre del cubismo (junto a Georges Braque), la manera de mirar. Convirtiéndose así quizás en el más grande artista del siglo 20 , no solo por su calidad pictórica, sino por su cuantiosa producción de arte, además de su particular manera de vivir, amar, gozar y sufrir a lo largo de su larga y productiva existencia.

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También aportó a la humanidad más de  centenar de pinturas, esculturas y dibujos, entremezclados con fotos familiares y detalles de su vida íntima, a través de las cuales honra su propia vida, ya que sus obras representan su diario de vida. De forma magistral establece contacto con las tendencias vanguardistas, la bohemia y al mismo tiempo, con el movimiento social cotidiano, como eje central del arte, e inspiración para crear y recrear.

Su aporte en la diversidad de representación del ser humano, de forma genial siempre basó su arte en el ser humano, su cuerpo, su sufrimiento y su alegría. Dibuja el cuerpo humano a través de figuras descompuestas en múltiples partes pero sin desconfigurar su esencia, sin importar como se cambien o modifiquen los elementos, siempre se termina observando un cuerpo humano.

También dejó un amplio legado en la poesía, cargada de sentimientos encontrados que inspiran a sus seguidores y amantes del arte en general. Se cuenta con cerca de trescientos cincuenta poemas y tres obras de teatro. Una edición que incluye una descripción de los diversos estadios de los textos y en la que pueden apreciar sus poemas, y una enorme diversidad que también caracteriza la obra plástica de Picasso.

Poemas

Pablo Picasso, como hombre multifacético, no dejó atrás la poesía, se inicio en la escritura de poemas en ya con 54 años, en 1935. Según investigaciones efectuadas al respecto, se inició en la poseía debido a una crisis emocional y personal, además de que necesitaba una redefinición de su trabajo como artista.

En ese tiempo casi no pintaba ni dibujaba grandes obras o en proyectos ambiciosos, y que tenía la idea, según confesiones a Jaume Sabartés, quien era además de su amigo, fungía como secretario y también mecanografiada, a abandonarlo todo, la pintura, la escultura, el grabado y la poesía, para abocarse de forma exclusiva al canto, no obstante, no concretó ni una cosa ni otra.

Escribió intensamente y diariamente durante esos 1936 y 1937, aunque continua con menor fuerza hasta 1959. Fruto
de esa actividad hoy se cuantifican más de 350 poemas y 3 obras de teatro, depositados en su mayoría en el Musée Picasso de París. Dichos textos no se conocieron hasta 1989, cuando la editorial Gallimard  publicó Écrits, una edición que corrió a cargo de Marie-Laure Bernadac y de Christine Piot.

Pablo Picasso plasmó sus poemas en español y en francés, inclusive mezclaba los dos idiomas en un solo poema e interactuaba con ellas de diversas formas en cada caso. Seguidamente colocamos algunos poemas cortos con forma
de verso y en orden, solo como una muestra de su genio en esta área del arte, pues tiene una amplia gama de poesía:

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  • Antoni Gelonch-Viladegut. Sant Cugat del Vallès, noviembre 2013: (I) vi salir esta noche del concierto en la sala Gaveau a la última persona y después me alejé por la misma calle y fui al estanco a buscar cerillas. (II)  espejo en tu marco de corcho – tirado al mar entre las olas – no ves sólo el relámpago – el cielo – y las nubes- con tu boca abierta dispuesta – a tragarse el sol – mas si un pájaro pasa – y por un  instante vive en tu mirada – al instante se queda sin ojos – caídos al mar – ciego – y qué  carcajadas – en ese preciso momento – brotan de las olas.
  • 14 de diciembre de 1935 (II). Sobre el revés de la inmensa raja de melón ardiente árbol pedazo de río mesa risible amenazada por el águila que garrapiña por el placer de ver cómo expira entre sus dientes distraída de su tedio una brizna de hierba las dos primeras yemas del ciruelo rojo venidas a menos se besan desde hace dos o tres días inquietas por el llanto de la niña.
  • 16 de diciembre de 1935 (I).  tan sólo el color la baja su freno muerde tan sólo el olor el pájaro su hoz ordeña basta tan sólo con verlos retorcerse sobre la almohada el amor fundiendo el metal del carril de la golondrina tan sólo un cabello.
  • 4 de enero de 1936: los cuadros son locas con el corazón carcomido por burbujas radiantes anudados los ojos a la garganta del latigazo caramboleado aleteando sobre el cuadrángulo de su deseo.
  • 24 de marzo de 1936: tarro sierra mi lady alegre ríe arena.
  • (2-7 de febrero de 1938): 2.2.38. colgado del cuello de la cuerda mimosa silenciosa con delicioso olor a verbena
    los brazos líquidos salpicando gotas de sudor disparando las alarmas con un chorro de luz pegado en las sienes
    los reflejos del espejo llaman a la puerta esconden el aroma de los rayos del arco iris a los velos de las palomas
    cruzándose con las cuentas del carbonero que llegan a punto.
  • 01 de marzo de 1938: rayo negro del sol que llama a la puerta dibujando en su mano alargada el ojete del rebaño en  los pliegues de la sombra que se estira al roce del rumor del abanico escondido en el limón del  tarro de miel del azúcar en polvo ardiendo en el jirón de azul celeste la leche de almendras  dulces del vuelo de palomas refriega el espejo atenazado por el teclado de los cuchillos  vibrantes clavados en la espalda del sol que supura sobre la persiana cerrada la mugre cerúlea del cobalto marino.

Frases de Pablo Picasso

Pablo Picasso, Malagueño de pura casta, creador y representante del cubismo. Declarado y militante de por vida del comunismo, y fue un inagotable trabajador del arte, hasta el punto de ser reconocido internacionalmente como uno de los pintores más influyentes de todo el siglo 20. Al igual que muchos artistas, cuenta en su haber con innumerables frases inspiradoras, reflexivas y llenas de algún contenido humano. Por ello, y los fines de hacer honor al artista, seguidamente se presentan algunas frases seleccionadas como las célebres:

  • ¿Quién ve el rostro humano correctamente: el fotógrafo, el espejo o el pintor?
  • Cuando amamos a una mujer no comenzamos a medir su extremidades.
  •  No debemos discriminar entre cosas. En lo que a las cosas se refiere, no existen distinciones de clase. Debemos elegir lo que es bueno para nosotros donde podamos encontrarlo.
  • Cuando los soldados alemanes solían venir a mi estudio y mirar mis fotos de Guernica, preguntaban ‘¿Hiciste esto?’. Y yo diría, ‘No, tú lo hiciste’.
  • Críticos, matemáticos, científicos y entrometidos quieren clasificarlo todo, marcando fronteras y límites… En el arte, hay espacio para todas las posibilidades.
  • ¿Qué es realmente una cara? ¿su propia foto? ¿su maquillaje? ¿o es una cara pintada por un pintor o por otro pintor?… ¿No todos se miran a sí mismos a su manera particular? Las deformaciones simplemente no existen.
  • El arte es un dedo en el culo de la burguesía.
  • Para florecer, una obra de arte debe ignorar o más bien olvidar todas las reglas.
  • El arte no es la aplicación de un canon de belleza, sino la aplicación de lo que el instinto y el cerebro pueden concebir más allá de cualquier canon.
  • La manifestación tiene lugar desde el Espíritu. No tiene lugar desde la forma, desde el mundo físico. Debes saber que ocurrirá lo que quieras manifestar.
  • ¿Terminar un trabajo?… qué absurdo, terminar significa matarlo, librarlo de su alma… darle el golpe de gracia.

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Pablo Picasso y el Surrealismo

Pablo Picasso también tuvo un período donde representó el arte surrealista, por casi 20 años luego de crear «Las señoritas de Avignon» (1907), realizó la pintura de «La danza» (1925), representante fiel de obra, alusiva al cambio radical en la dirección que dio a su arte a mediados de los años 20, un estilo que marcaría una década, hasta 1935 del acercamiento al surrealismo. Así fue que a partir de 1927, y en sucesivamente, Picasso comenzó a participar en una novedosa corriente de la filosofía y cultural denominada surrealismo.

Se debe resaltar que Picasso,  siempre manifestó que no era surrealista, no obstante ello, en muchas obras del artista siempre están presentes algunos elementos evidentes y propios de dicha corriente artística. Durante dicho periodo sus trabajos estarían repletos de personajes monstruosos, de gran formato y evidentes distorsiones. De esta etapa destacan Bañistas al borde del mar o El sueño.

Como muchos otros representantes surrealistas, jugó con la idea de la metamorfosis. La imagen del minotauro, que es un monstruo mitad toro y mitad humano de la mitología griega, donde muestra que Picasso percibió la encarnación de la lucha entre lo humano y lo bestial. Encontrando entonces su expresión más fuerte del surrealismo. Al igual que la «Guernica» (1937), constituye la pintura más famosa del artista, ocurrida durante la Guerra Civil en España.

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En esta obra se expone el testimonio surrealista en su máxima expresión, donde muestra los horrores de la guerra, y contiene varios elementos de apariencia humana expresando el terror de dicho ataque. Otra muestra de este período es «La serie Llorona», considerado como la prolongación temática de la tragedia.

Pablo Picasso se centra en la imagen de una mujer llorando, el artista ya no estaba pintando los efectos de la Guerra Civil española directamente, sino que refiriéndose a una imagen universal singular del sufrimiento humano.

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